Ulises de James Joyce
La novela consta de tres partes: La Telemaquia (episodios 1 a 3),
La Odisea (4 a 15) y El Nóstos (16 a 18)
PORTRAIT OF A LADY HOLDING AN ORANGE BLOSSOM
Esta joven vestida de seda azul con bordes de encaje demuestra la simplicidad de la moda de la década de 1770 y es posible que haya vivido en la bulliciosa ciudad portuaria de Ámsterdam.
SOBRE EL RETRATO.
El Retrato de una dama sosteniendo una flor de naranjo, adquirido por la Galería de Arte de Ontario en 2020, es importante por su convincente retrato de una joven de color en el siglo XVIII. El artista que lo pintó ha sido identificado como Jeremias Schultz (1722/3-1800), un pintor nacido en Berlín que trabajó principalmente en la bulliciosa ciudad portuaria de Ámsterdam.
Actualmente, la pintura data de mediados del siglo XVIII, pero un examen cuidadoso de la ropa revela que probablemente fue pintada alrededor de 1775. La "edad de oro" holandesa de la pintura ocurrió en el siglo anterior, pero artistas expertos como Cornelius Troost continuaron pintando producen retratos detallados de los habitantes de Holanda. Si bien el tratamiento de la tela en el retrato no es del todo típico de las principales escuelas de pintura europeas, otros artistas que optaron por trabajar fuera de esa norma pueden encontrar estilos similares .
El modelo de esta pintura es anónimo. Es una mujer joven, probablemente de entre 12 y 14 años, de piel medio oscura, ojos castaños oscuros y cabello oscuro, recogido a la moda y recogido bajo una gorra transparente. Debido a que su ropa es fina y su familia es lo suficientemente rica como para encargar un retrato de alta calidad, es claramente una mujer negra libre. No es probable que ella o su familia alguna vez fueran esclavizados, a menos que su situación fuera similar a la de su contemporánea Dido Belle, que tenía un padre blanco de élite. Su muestra de riqueza aquí hace que sea más probable que ella y su familia nunca hayan sido esclavizados y vivieran como miembros libres y ricos de la sociedad dondequiera que esto fuera pintado. Los africanos libres se habían establecido en Inglaterra desde el Renacimiento y se habían casado con familias inglesas blancas, pero era mucho más difícil evitar la esclavitud en otros países.
En su mano derecha sostiene delicadamente una flor de naranjo. El Museo Metropolitano de Arte tiene esto que decir sobre las flores de naranjo como símbolos en las pinturas:
“La flor de naranja blanca simboliza tanto el matrimonio como la pureza, mientras que el fruto [es] un signo de fertilidad… Los naranjos, aunque estaban de moda en Europa, eran rarezas costosas en las colonias. La presencia de uno aquí refuerza la riqueza del modelo”. (MMA, “1729”)
Hay un árbol, posiblemente un frangipani (plumeria), detrás de ella a la izquierda, y un obelisco o posiblemente una fuente a la derecha. Obeliscos, fuentes y otras estructuras neoclásicas eran elementos de fondo populares para las pinturas de mediados del siglo XVIII, en la tradición de Joshua Reynolds y Johann Zoffany; la pintura tiene un frontón griego que se asoma por encima de los árboles para lograr un efecto similar.
El hecho de que la modelo sea holandesa explicaría su peinado relativamente modesto durante la época en que la reina María Antonieta se estaba haciendo famosa por su cabello de treinta centímetros de altura. Estas modas salvajes eran principalmente dominio de las mujeres francesas extremadamente ricas, aunque se usaban en otros países. También es posible que su familia sea relativamente nueva en un país o una zona de los Países Bajos menos en sintonía con la moda francesa más cambiante, o también que a ella no le gustaran esos peinados y prefiriera un aspecto más modesto.
No importa su ubicación o su historia, la joven del retrato posee riqueza, porte y no poca cantidad de estilo.
SOBRE LA MODA
El conjunto de la niña tiene toques que demuestran que está pensado para el día a día, como su gorra y su delantal. Su vestido es lo que los historiadores modernos llaman un "vestido redondo", que no tiene una enagua separada a juego. Sus accesorios son de seda transparente: un delantal, un fichu (pañuelo) y una gorra; también usa grandes aretes de acero tallado y un conjunto de joyas de perlas de doble hebra.
Si se abre por delante, su vestido simplemente se habría llamado "camisón" en la década de 1770 (Lewandowski 98). La enagua y el corpiño se cosen juntos a los lados y en la espalda, la parte delantera de la enagua se ata alrededor de la cintura con un cordón y los alfileres del corpiño se cierran (Fig. 5). Es una forma de vestir bastante informal y era más común para un niño que para un adulto para un retrato formal. También es posible que, a diferencia de la mayoría de los vestidos del siglo XVIII, el de ella se abroche en la espalda con cordones. Todos los niños usaban vestidos antes de los siete años, y las niñas continuaron usando vestidos con cordones hasta la pubertad . Esta joven puede tener aproximadamente esa edad, o puede haber sido pintada por un artista que no pensó que el cierre frontal fuera lo suficientemente importante como para pintar.
Los adornos de su vestido son lo que sitúa firmemente el estilo del vestido en la década de 1770. Observe las secciones plisadas de organza de seda a rayas que decoran su escote y sus brazos, así como las líneas abullonadas de ribete alrededor del centro de cada brazo. Esta forma de recorte se hizo popular a finales de la década de 1760 y continuó utilizándose hasta la década de 1780. La pintura de la princesa Sophie Friederike, ca. 1774, en la figura 7 es un excelente ejemplo de esta moda. Los adornos estampados y transparentes estaban de moda en la década de 1770, y es posible que la chica de azahar lleve un vestido más antiguo que ha sido redecorado para estar al día con los estilos franceses (Chrisman-Campbell 17).
En su libro de 2002 What Clothes Reveal: The Language of Clothing in Colonial and Federal America , Linda Baumgarten describe la moda de la década de 1770:
“[L]a moda femenina de las décadas de 1770 y 1780 no era ni sobria ni práctica. Además de los adornos y los volantes, las faldas de los vestidos a veces se hacían abombadas con cordones o cintas... Los peinados altos adornados con perlas, cintas y rellenos enfatizaban la apariencia frívola de la ropa de moda”.
La princesa de la figura 7 es un buen ejemplo de la moda europea de la época, con un peinado alto, abrochado (rizado), empolvado y una gorra pequeña, casi inútil (Tortora & Eubank 241). La modelo de la flor de naranjo, sin embargo, no tiene el mismo peinado. Esto se puede explicar de dos maneras: primero, que es muy joven. Los niños a menudo lucían versiones atenuadas de lo que vestían sus padres, y en la década de 1770, especialmente rara vez se llevaban el pelo tan alto. En segundo lugar, es posible que viva fuera de Ámsterdam, tal vez en la ciudad más pequeña de Deventer.
Si bien algunas mujeres participaron en la moda del cabello francesa, muchas no, especialmente aquellas en lugares más pequeños. Su cabello tiene un estilo ligeramente alto en la parte delantera, adecuado para un estilo conservador de la década de 1770 que no se puede confundir con décadas anteriores. Su gorra es la misma: bastante a la moda, pero no tan extravagante como podría ser . Dependiendo de la textura de su cabello, es posible que haya podido lograr el aspecto hinchado sin depender de pomada y postizos (conocidos como “ratas”) como lo hacían la mayoría de las mujeres blancas europeas, lo que explica la falta de polvo.
Fig. 10 - Designer unknown (German). Pocket hoops, ca. 1770. Linen, undyed, plain weave; stiffening: fish bone sticks; l. 36 cm. Nuremberg: German National Museum, T2479. Source: GNM |
Janea Whitacre describe las gorras del siglo XVIII en su entrada " Head Wear, Men's and Women's, 1715-1785" para la enciclopedia Ropa y moda: moda estadounidense de pies a cabeza (2015):
“La gorra formaba parte de la moda interior. A menudo estaba hecho de los mismos materiales que el pañuelo para el cuello, los volantes en los codos y la faja. Estas piezas componían un 'traje de lino' o 'traje de encaje', que identificaba los materiales con los que estaban hechas... A veces la moda mandaba que el delantal también combinara, pero aún así se vendía por separado”.
El 'traje de encaje' de la modelo no coincide del todo, aunque no podemos ver su gorro lo suficientemente bien como para saber si está coordinado con otra parte. Su fichu tiene un patrón de cristal y sus adornos son a rayas. Sus antebrazos, en cambio, están parcialmente cubiertos por finos enganches de encaje de Chantilly . Las mujeres más elegantes habrían tenido unos enormes, a veces en varios niveles, lo que indica al espectador que esta modelo es menos ostentosa.
Su delantal y fichu, sin embargo, son tan finos que son completamente transparentes. Los delantales como este eran sólo decorativos y mostraban al espectador que la modelo era lo suficientemente rica como para comprar seda o algodón fino y transparente, y que no tenía que realizar ningún trabajo manual, lo que habría requerido un delantal más resistente.
Debajo del vestido, debe llevar una camisola, un par de corsés y, a juzgar por el ancho lateral de su falda, probablemente un par de aros de bolsillo (Fig. 10) o alforjas pequeñas . Esta silueta, con el ancho desplazado hacia los lados en lugar de alrededor o hacia atrás, la ubica después de la década de 1750 y antes de finales de la de 1770 en términos de moda. El Museo Nacional Alemán dice lo siguiente sobre los aros de bolsillo:
“Como alternativa a [las alforjas, los aros de bolsillo], se podrían atar, dándole al vestido una silueta similar. Eran cómodos de llevar y los bolsillos que tenían cosidos podían ser utilizados por el usuario para llevar todo tipo de accesorios”.
Seguramente también lleva zapatos de tacón, medias, al menos una enagua y un par de bolsillos debajo de su vestido.
Sus aretes parecen ser de acero tallado, un material menos costoso popularizado a mediados del siglo XVIII que, en efecto, podría rivalizar con los diamantes (Armstrong 182, Ward 295). En su libro The Jeweler's Eye (1986), Laura L. Vookles describe el proceso de construcción:
“El acero cortado, un material de joyería mencionado ya en la época isabelina, se producía en grandes cantidades a mediados del siglo XVIII. Una joya de acero consistía en una placa posterior con forma que estaba perforada con tantos agujeros como requería el diseño, y en cada uno de ellos se remachaba un perno facetado de acero dulce. Estas vigas se podían trabajar y pulir fácilmente, y los miniejemplos del siglo XVIII tienen hasta 15 facetas”.
Si bien inicialmente pudo haber sido simplemente un sustituto más barato de los diamantes y las marcasita, las joyas de acero tallado se hicieron populares por derecho propio. Isabel Parreño y Arce, Marquesa de Llano en la figura 12, usa grandes aretes de girandole y un collar de tres niveles, todos de acero tallado, para complementar su ya rico y brillante atuendo. Los múltiples hilos de perlas de esta modelo eran a menudo el collar elegido por las mujeres europeas más elegantes.
Incluso María Antonieta se cambió a las perlas en la década de 1780. Incluso las mujeres de las zonas colonizadas del Caribe disfrutaban de joyas de perlas de múltiples hebras (Fig. 13).
La chica de azahar no lleva un vestido muy de moda para mediados de la década de 1770: un vestido con peto habría sido más formal, y una polonesa, levita o una combinación de chaqueta y enagua podrían haber sido opciones más actuales, como Las placas de moda tienden a mostrarse (Fig. 14). Si bien los vestidos redondos, o “camisones”, se estaban volviendo más populares en esta época, pocas mujeres eligieron pintarse con ellos debido a su sencillez e informalidad.
Este retrato de una joven desconocida es un ejemplo de lujo sobrio. Ya sea que tal moderación se deba a su posición o a su gusto personal, ella se mantiene a la moda sin caer en excesos.
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